La peinture numérique (ou digital painting) est une forme d’art que l’on retrouve de plus en plus sur la toile.
Mais d’où vient-elle ?
Comment on la pratique ?
Et surtout, comment débuter dans le digital painting ?
Aujourd’hui, je vais répondre aux (parfois nombreuses) questions que vous pouvez vous poser sur ce médium encore méconnu du grand public
C’est parti !
Qu’est-ce que la peinture numérique ou digital painting ?
La peinture numérique est donc un art. Elle consiste à reproduire le crayon, le fusain, les acryliques, l’aquarelle, la peinture à l’huile ou encore l’empâtement sur un format numérique.
Elle est utilisée dans de nombreuses professions comme le concept design, le graphisme ou encore la bande dessinée.
Qu’a-t-elle de différent avec les arts traditionnels ?
Au lieu d’utiliser un crayon sur une feuille ou un pinceau sur une toile, la peinture numérique va utiliser des programmes informatiques qui vont savoir donner un effet à chaque pixel que l’on touche selon le mode de dessin choisi pour reproduire plutôt fidèlement, son homologue papier.
C’est une véritable toile virtuelle qui va utiliser ses propres crayons et pinceaux numériques, spécifiques au logiciel.
Vous n’allez pas avoir besoin de beaucoup de matériels différents pour le digital painting, c’est l’avantage par rapport au traditionnel.
Il vous faudra une tablette graphique (ou bien une tablette type iPad), un ordinateur et un logiciel sur lequel peindre.
Vous allez dessiner directement sur la tablette graphique avec un stylo conçu pour ça et votre dessin évoluera sur l’écran de votre ordinateur.
Débuter en Digital Painting
Comment débuter la peinture numérique ?
Les bases pour bien commencer (choix du matériel, installation des logiciels, configuration)
Pour bien débuter en digital painting, il vaut mieux aller chercher un bon rapport qualité/prix.
Côté matériel, le premier choix va dépendre du type de dessin sur lequel vous allez vous concentrer.
Si vous comptez faire majoritairement des dessins linéaires, parce que vous voulez faire du tatouage par exemple, ou des dessins type manga…
Alors il vaudra mieux opter pour un iPad avec le logiciel Procreate, c’est amplement suffisant.
Mais si le digital painting est plus général, alors il faudra s’orienter vers une tablette graphique, avec ou sans écran, et un ordinateur.
Pour le dessin, la majorité des ordinateurs actuels font l’affaire, mais si vous avez un peu de budget, je ne peux que vous conseiller de vous orienter vers un MacBook Pro.
J’ai le mien depuis 2009 et je n’ai jamais eu AUCUN problème. Depuis que je ne suis plus sur Windows, j’ai l’impression de revivre.
J’ai parlé d’une tablette graphique avec ou sans écran, car il existe les deux.
Il n’y a pas de mauvais choix, les tablettes avec écran coûtent plus cher, donc, si vous avez un petit budget, vous pouvez trouver de bonnes tablettes sans écran pour 50-60€.
Je vous conseille également de regarder du côté du marché de l’occasion.
Si jamais vous avez un peu plus de budget, vous pouvez prendre directement une tablette avec écran mais attention, commencez avec une entrée de gamme (200-250€), pas besoin de mettre 1500€ dans une tablette quand on débute la peinture numérique.
Et puis une fois que vous avez votre matériel, qu’est-ce que vous faites ?
Vous l’installez !
Première chose :
Il va falloir brancher la tablette graphique à son ordinateur.
Et donc s’intéresser au câblage… que je vous conseille de regarder AVANT d’acheter la tablette.
Vous devrez regarder si vous avez assez de ports et les bons ports car sans ça, vous ne pourrez tout simplement pas utiliser votre tablette graphique avec votre ordinateur actuel.
Ensuite, la deuxième étape va être d’installer le driver.
Il s’agit d’un petit programme qui va vous permettre de faire fonctionner la tablette sur l’ordinateur et notamment dans votre logiciel de dessin et de peinture.
Ce sont de petits programmes rapides et faciles à installer que ne devraient pas vous demander de toucher aux réglages, mais vous pouvez notamment régler des options, comme la pression sur la tablette ou changer les raccourcis de la tablette graphique, quand il y en a.
Sur les raccourcis, je vous conseille de mettre les outils que vous utiliserez le plus, comme le pinceau ou la gomme.
Si vous avez le moindre problème comme la tablette qui n’affiche rien quand vous dessinez ou la pression qui fait n’importe quoi :
Regarder d’abord si le driver est bien installé et à jour.
Et parfois, il faudra cocher ou décocher une petite case avec écrit “Windows Ink” pour voir si ça peut régler le problème.
Plus qu’à faire quelques tests et dessiner pour s’habituer à ce nouveau support et en quelques jours, vous aurez pris la main sur l’inclinaison et la pression et n’aurez plus aucune difficulté à l’utiliser.
Puis-je apprendre le digital painting si je ne sais pas dessiner ?
La peinture numérique peut attirer le débutant par sa fausse impression de “c’est plus facile”.
On retrouve tout même quelques fonctions qui facilitent le dessin :
- Outils de correction et expérimentation illimitée : Contrairement au dessin traditionnel, la peinture numérique permet de corriger facilement les erreurs grâce à des fonctions comme le “Ctrl+Z”. Les débutants peuvent ainsi expérimenter sans craindre de gâcher leur travail, ce qui encourage l’exploration et l’apprentissage par essais et erreurs.
- Accès à une palette de couleurs infinie : Les logiciels de peinture numérique offrent une variété infinie de couleurs et de textures, permettant aux débutants d’expérimenter sans avoir à investir dans des fournitures coûteuses. Ils peuvent tester différentes combinaisons de couleurs et affiner leur compréhension des théories des couleurs sans contrainte.
- Utilisation de calques : Les calques sont une fonctionnalité clé qui simplifie grandement le processus de création. Les débutants peuvent travailler sur différents aspects d’une image (comme le dessin, l’ombrage, et la mise en couleur) séparément, ce qui leur permet de se concentrer sur une tâche à la fois et de mieux comprendre chaque étape.
- Modèles et références facilités : La peinture numérique permet d’importer facilement des références ou de créer des grilles et des modèles qui servent de guide. Cette méthode aide les débutants à améliorer leur précision et à mieux comprendre les proportions et les perspectives.
Alors oui, d’une certaine manière, ça peut être plus facile de débuter le dessin en digital painting mais attention ! Ça ne dispense pas d’apprendre les bases du dessin, qui sont les mêmes sur le papier et en numérique.
Est-il difficile d’apprendre le digital painting ?
- Comparaison entre l’apprentissage de la peinture numérique et traditionnelle
Si ces médiums pourraient être appelés “cousins”, ils présentent tout deux des avantages et des inconvénients.
On peut les comparer selon 4 points :
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Accessibilité des outils :
- Peinture numérique : Pour commencer, il suffit d’avoir un ordinateur ou une tablette graphique et un logiciel de peinture. Ces outils offrent un éventail infini de brosses, de couleurs et d’effets, souvent sans coût supplémentaire après l’achat initial. De plus, les logiciels offrent des fonctionnalités pratiques comme le zoom, l’annulation des actions et la gestion des calques, rendant l’apprentissage plus fluide.
- Peinture traditionnelle : La peinture traditionnelle nécessite l’achat de divers matériaux (peintures, toiles, pinceaux) qui peuvent être coûteux. Chaque médium (huile, acrylique, aquarelle) nécessite également des techniques spécifiques qui peuvent être longues à maîtriser. Les erreurs sont souvent plus difficiles à corriger, ce qui peut décourager les débutants.
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Courbe d’apprentissage
- Peinture numérique : La courbe d’apprentissage de la peinture numérique peut être plus douce grâce aux nombreuses ressources disponibles en ligne, comme les tutoriels vidéo, les cours et les communautés d’artistes. Et grâce à notamment l’annulation d’actions, il devient facile de corriger les erreurs ce qui aide à expérimenter sans crainte.
- Peinture traditionnelle : L’apprentissage de la peinture traditionnelle demande une plus grande maîtrise des matériaux physiques et une compréhension approfondie de concepts tels que le mélange des couleurs et la gestion des médiums. Les erreurs sont plus difficiles à rectifier, ce qui peut ralentir le processus d’apprentissage.
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Liberté créative et expérimentation
- Peinture numérique : La peinture numérique offre une liberté d’expérimentation quasi illimitée. Vous pouvez essayer différentes techniques, styles et couleurs sans gaspiller de matériel. Les débutants peuvent ainsi développer leur style artistique plus rapidement et sans contrainte.
- Peinture traditionnelle : Bien que la peinture traditionnelle permette également une grande créativité, l’expérimentation est souvent plus coûteuse en termes de temps et de ressources. Les erreurs peuvent nécessiter de recommencer une œuvre ou de trouver des solutions créatives pour les intégrer.
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Perception et habileté
- Peinture numérique : La peinture numérique peut parfois être perçue comme plus facile en raison de l’assistance technologique (calques, grilles, etc.). Cependant, elle nécessite tout de même une solide compréhension des principes artistiques (perspective, composition, couleur, lumière) que l’on retrouve dans l’art traditionnel.
- Peinture traditionnelle : La peinture traditionnelle est souvent considérée comme plus exigeante en termes de maîtrise technique. La capacité à contrôler les médiums physiques et à corriger les erreurs sans outils numériques représente un véritable défi.
Apprendre l’art numérique n’est pas nécessairement plus difficile que la peinture traditionnelle, mais les défis sont différents.
La peinture numérique simplifie certains aspects de l’apprentissage grâce à la technologie et à la flexibilité qu’elle offre, ce qui peut être particulièrement bénéfique pour les débutants. Cependant, elle nécessite toujours une compréhension des fondamentaux artistiques pour produire des œuvres de qualité.
D’un autre côté, la peinture traditionnelle demande une maîtrise technique plus rigoureuse, mais elle offre une expérience tactile unique que certains artistes préfèrent.
En fin de compte, le choix entre l’art numérique et traditionnel dépend des préférences personnelles et des objectifs artistiques de chacun.
Techniques et Outils
Quel logiciel pour peindre ?
- Comparaison des principaux logiciels de digital painting (Photoshop, Procreate, Krita, etc)
- Conseils pour choisir un logiciel adapté à ses besoins
Il existe de nombreux logiciels de digital painting, et le choix dépend principalement de 2 critères : le prix et l’expérience utilisateur.
Et, j’en ai essayé pas mal.
Evidemment Photoshop tire son épingle du jeu car une fois maîtrisé on peut tout faire avec lui : dessin, illustration, colorisation, speed painting, matte painting, montage photo, retouche photo. Il fait tout sauf le café.
Vu que la licence est assez chère, certains préfèreront Photoshop Elements, ou Gimp (gratuit).
Un de mes logiciels de dessin préféré est Sketchbook Pro, bon marché, intuitif, rapide.
Pour les peintres en herbe je conseille Artrage Studio Pro qui simule vraiment bien les effets naturels des techniques traditionnelles.
J’utilisais beaucoup Corel Painter passé un temps, mais je ne le trouve ni intuitif, ni stable, bien que certains de ces outils soient uniques, je ne le conseille pas au débutant.
Voici un comparatif un peu plus détaillé des principaux logiciels utilisés :
- Adobe Photoshop
Caractéristiques : Photoshop est l’un des logiciels les plus polyvalents, largement utilisé par les artistes numériques, les illustrateurs, et les professionnels de la création. Il offre une gamme étendue d’outils de peinture, de brosses personnalisables et de gestion des calques. Il est également doté d’outils de retouche photo avancés, ce qui le rend idéal pour les artistes qui souhaitent combiner peinture et édition d’images.
Avantages :
- Compatibilité avec d’autres logiciels Adobe (Illustrator, After Effects).
- Support de brosses personnalisées et d’extensions.
- Large communauté et nombreux tutoriels disponibles.
Inconvénients :
- Abonnement mensuel coûteux.
- Courbe d’apprentissage relativement abrupte pour les débutants.
- Procreate
- Caractéristiques : Exclusif à l’iPad, Procreate est un logiciel de peinture numérique très populaire auprès des artistes mobiles. Il offre une interface intuitive et un large éventail de brosses, ainsi que des fonctionnalités avancées comme le dessin en 3D et l’animation.
Avantages :
- Interface tactile très intuitive.
- Prix unique abordable sans abonnement.
- Excellentes performances sur iPad avec l’Apple Pencil.
Inconvénients :
- Exclusivité iOS (non disponible sur Windows ou Android).
- Moins de fonctionnalités avancées comparé à Photoshop.
- Krita
Caractéristiques : Krita est un logiciel open-source gratuit, très apprécié par les illustrateurs et les artistes de bandes dessinées. Il propose une gamme de brosses variée, des outils de gestion des calques, et des fonctionnalités spécifiques pour le dessin vectoriel et l’animation.
Avantages :
- Gratuit et open-source.
- Interface personnalisable et riche en fonctionnalités.
- Idéal pour la bande dessinée et l’illustration.
Inconvénients :
- Moins de support commercial et de tutoriels par rapport à Photoshop.
- Performances parfois limitées pour les très grands fichiers.
- Corel Painter
Caractéristiques : Corel Painter est conçu pour imiter les médiums traditionnels comme la peinture à l’huile, l’aquarelle et le pastel. Il est très apprécié des artistes qui recherchent un rendu plus authentique et tactile.
Avantages :
- Excellente simulation des médiums traditionnels.
- Large choix de brosses réalistes.
- Outils spécialisés pour imiter les effets de la peinture traditionnelle.
Inconvénients :
- Coût élevé (licence unique ou abonnement).
- Interface parfois moins intuitive pour les nouveaux utilisateurs.
- Clip Studio Paint
Caractéristiques : Clip Studio Paint est particulièrement populaire parmi les artistes de manga, les illustrateurs et les animateurs. Il offre des outils puissants pour le dessin vectoriel, l’animation et la création de bandes dessinées.
Avantages :
- Fonctionnalités avancées pour le dessin et l’animation.
- Prix abordable avec des mises à jour régulières.
- Excellent pour la création de mangas et de bandes dessinées.
Inconvénients :
- Moins polyvalent pour d’autres styles d’art.
- Interface dense qui peut être déroutante pour les débutants.
Je sais, ça fait beaucoup d’informations et vous ne savez pas trop comment choisir le logiciel qui vous conviendrait dans le lot.
Heureusement, j’ai quelques astuces pour ça :
Déterminez votre usage principal : Si vous cherchez un logiciel polyvalent pour le dessin, la peinture, et la retouche photo, Photoshop pourrait être le meilleur choix. Pour les artistes mobiles, Procreate est parfait. Si vous préférez un logiciel gratuit et riche en fonctionnalités, Krita est une excellente option.
Considérez votre niveau de compétence : Les débutants pourraient préférer Procreate pour sa simplicité ou Krita pour son prix gratuit. Les artistes plus expérimentés ou professionnels pourraient opter pour Photoshop ou Corel Painter en fonction de leurs besoins spécifiques.
Évaluez votre budget : Si vous souhaitez éviter les coûts d’abonnement, Krita et Clip Studio Paint (qui offre un prix unique) sont des choix judicieux. Photoshop et Corel Painter, bien que puissants, nécessitent un investissement financier plus important.
Essayez avant d’acheter : De nombreux logiciels offrent des versions d’essai gratuites. Profitez-en pour tester l’interface, les outils et les performances avant de prendre une décision finale.
En résumé, le choix du logiciel de peinture numérique dépend de vos objectifs artistiques, de votre niveau de compétence et de votre budget. Chaque logiciel a ses forces et ses faiblesses, mais tous peuvent vous aider à réaliser des œuvres numériques de qualité.
Quelle technique de peinture pour débutant ?
Pour les débutants en peinture numérique, il est important de maîtriser quelques techniques de base qui poseront les fondations de vos compétences artistiques.
Ci-dessous; vous trouverez un aperçu des principales techniques, ainsi qu’une introduction à l’utilisation des calques et des brosses numériques, deux éléments essentiels pour réussir en digital painting.
Présentation des techniques de base (couleurs, ombrages, textures)
1. Maîtrise des couleurs :
- Compréhension des théories des couleurs : Avant de commencer à peindre, il est essentiel de comprendre les notions de couleurs primaires, secondaires et tertiaires, ainsi que les concepts de contraste, d’harmonie et de température des couleurs. Le cercle chromatique est un outil utile pour choisir des palettes équilibrées.
- Utilisation des palettes : La peinture numérique permet de créer et de sauvegarder des palettes de couleurs. Pour les débutants, il peut être utile de commencer avec des palettes limitées pour éviter de se perdre dans trop de nuances.
- Dégradés et mélanges : Apprenez à créer des dégradés doux en utilisant des brosses à faible opacité ou des outils de flou. Cela vous aidera à faire des transitions subtiles entre les couleurs, donnant à vos œuvres une profondeur plus réaliste.
2. Techniques d’ombrage :
- Lumière et ombre : Comprendre comment la lumière interagit avec les objets est crucial pour créer des volumes réalistes. Identifiez les sources de lumière dans votre composition et utilisez des ombres pour ajouter de la dimension à vos formes.
- Ombrage progressif : Utilisez des brosses douces pour créer des ombres progressives, qui passent doucement d’une zone claire à une zone sombre. Cela est particulièrement utile pour des objets aux surfaces arrondies, comme les visages ou les sphères.
- Multiplication et superposition : En peinture numérique, l’utilisation du mode de calque “Multiplication” pour les ombres permet de superposer des teintes sombres tout en préservant les couleurs sous-jacentes. C’est une méthode simple pour ajouter des ombres cohérentes à vos compositions.
3. Création de textures :
- Brosses texturées : Les logiciels de peinture numérique offrent une variété de brosses texturées qui peuvent simuler différentes surfaces, comme la toile, le grain de papier, ou les effets de pinceau traditionnel. Utilisez-les pour ajouter de la richesse et du réalisme à vos œuvres.
- Superposition de calques : Combinez différentes textures en superposant des calques avec des modes de fusion variés (par exemple, « Overlay » ou « Soft Light »). Cela permet d’ajouter de la complexité à votre image sans la surcharger.
Utilisation des calques et des brosses numériques
1. Utilisation des calques :
- Organisation du travail : Les calques sont un outil puissant pour séparer les différentes parties de votre illustration (croquis, couleurs, ombres, lumières, etc.). Cette séparation facilite les modifications sans affecter l’ensemble de votre composition.
- Calques pour les ombres et la lumière : Utilisez des calques distincts pour les ombres et les lumières. Par exemple, un calque d’ombre en mode « Multiplication » et un calque de lumière en mode « Ecran » vous permettront de contrôler précisément les contrastes de votre œuvre.
- Groupes de calques : Pour des compositions complexes, regroupez les calques similaires pour mieux organiser votre fichier. Cela simplifie les ajustements ultérieurs et maintient une structure claire.
2. Utilisation des brosses numériques :
- Brosses de base : Commencez par vous familiariser avec quelques brosses de base, comme la brosse ronde dure, la brosse douce et la brosse texturée. Chaque brosse a ses particularités et peut être utilisée pour différents effets (croquis, remplissage, dégradés).
- Personnalisation des brosses : La plupart des logiciels permettent de personnaliser les brosses en ajustant leur taille, leur opacité, et leur texture. Expérimentez avec ces paramètres pour créer des effets uniques.
- Brosses spécialisées : Pour des détails spécifiques, utilisez des brosses spécialisées comme celles imitant le pinceau, l’aquarelle, ou le crayon. Ces brosses apportent une texture particulière à votre travail et peuvent simuler l’aspect de la peinture traditionnelle.
Pour bien débuter en peinture numérique, il est donc essentiel de se concentrer sur la maîtrise des couleurs, des ombrages et des textures tout en exploitant les puissants outils que sont les calques et les brosses numériques.
En intégrant progressivement ces techniques de base, vous développerez des compétences solides qui vous permettront de créer des œuvres plus abouties et expressives.
Comment réaliser de l’art numérique à partir d’une photo ?
Transformer une photo en œuvre d’art numérique est une technique populaire et accessible, même pour les débutants. Cette méthode permet de créer des illustrations réalistes ou stylisées à partir de références photographiques.
Je vais vous expliquer comment vous pouvez transformer une photo ou peinture numérique et aborder également l’utilisation des références photographiques pour améliorer vos créations artistiques.
Techniques de transformation d’une photo en peinture numérique
La première techniques que vous allez pouvoir utiliser, elle celle des filtres et effets automatiques.
De nombreux logiciels, comme Photoshop ou Corel Painter, proposent des filtres qui transforment automatiquement une photo en peinture, en simulant des styles tels que l’aquarelle, l’huile ou le pastel.
Bien que ces filtres puissent donner une base intéressante, je vous recommande de les utiliser comme point de départ pour ajouter ensuite des touches personnelles.
Photoshop dispose également d’un filtre “Oil Paint” qui lisse les détails d’une photo tout en créant un effet de pinceau distinct. Ce filtre peut être ajusté pour varier l’intensité des traits et la texture de la peinture.
Une autre méthode consiste à effectuer une peinture manuelle par-dessus la photo.
Pour cela, vous allez importer la photo et l’utiliser comme calque de référence. Il vous faudra réduire son opacité et créer un nouveau calque pour peindre par-dessus.
Ça a comme gros avantage de vous permettre de suivre les contours et les formes principales tout en appliquant vos propres couleurs, textures et styles.
Vous pouvez également faire ce qu’on appelle un “blocage des formes”.
Pour cela, vous allez bloquer les formes principales avec des couleurs de base en utilisant la photo comme guide. Il vous restera à affiner les détails et ajouter les ombres et les lumières pour créer de la profondeur.
Enfin, dernière méthode manuelle : l’utilisation des brosses texturées.
Utilisez des brosses texturées pour imiter les effets de la peinture traditionnelle. Cela ajoutera un aspect organique à votre œuvre, rendant la transformation de la photo en peinture plus crédible.
Une troisième technique pour transformer vos photos en peinture est la technique du Smudge.
Deux façon de faire :
- Smudge Tool (outil estompe) : Utilisez l’outil estompe pour mélanger les couleurs et les détails de la photo, créant un effet de peinture plus doux et flou. Cette technique est particulièrement utile pour transformer des portraits ou des paysages en œuvres aux contours moins définis, avec un rendu plus pictural.
- Fusion des couleurs : L’estompage permet de fusionner les couleurs d’une manière qui imite les coups de pinceau, en lissant les transitions et en adoucissant les bords pour donner une impression de peinture.
Je vais terminer cette partie avec la dernière technique :
La Stylisation.
Vous allez soit simplifier les détails complexes de la photo en réduisant les formes à des blocs de couleur pour donner un style plus abstrait ou graphique à votre peinture.
Soit choisir de styliser certains aspects de la photo, comme en exagérant les ombres, en modifiant les couleurs ou en ajoutant des éléments non présents dans l’image originale.
Présentation de l’usage des références photographiques
L’utilisation des références photo est presque obligatoire dans le dessin en général, ce n’est pas spécifique au digital painting.
Il y a 3 grands intérêts à les utiliser :
- Amélioration de la précision
- Inspiration et créativité
- Pratique et développement des compétences
La photo sera un véritable guide tout le long de votre dessin.
Vous allez utiliser sa composition, ses proportions et sa perspective, mais également étudier comment la lumière réagit avec les objets et ainsi pouvoir analyser les nuances de couleurs.
Cela va vous permettre de vous concentrer sur les détails et les subtilités et ainsi vous aider à créer des œuvres plus réalistes et cohérentes.
Vous n’allez, en général, pas vous inspirer d’une seule photo mais de plusieurs.
Et c’est mieux pour développer votre créativité et vous aider à composer des dessins uniques !
Reproduire une photo va avoir l’autre avantage de vous aider à prendre confiance dans votre trait.
Le “copiage” est un peu le départ de tout artiste dans ce domaine et presque nécessaire pour développer une bonne technique avant de tenter de faire de l’œuvre originale.
Vous pourrez ainsi tester plusieurs styles jusqu’à trouver le votre.
Approfondir ses Compétences
Comment se déroule la peinture numérique ?
Les étapes d’une création numérique (croquis, composition, rendu final)
Le digital painting suit lui aussi ses propres techniques pour passer de l’idée au rendu final. Il y a plusieurs étapes qui se succèdent pour arriver à un tel résultat et vous verrez que ce n’est pas si différent d’autres arts.
On va commencer avec le croquis.
Vous allez partir d’une idée claire (personnage, paysage, scène abstraite…) et réaliser une première esquisse. Le but est de capturer les formes générales et la composition de l’image. Ce premier croquis servira de guide pour les étapes suivantes et permet de tester différentes idées sans trop de détails et avant d’aller trop loin.
La phase du croquis sera terminé quand vous l’aurez affiné avec les détails qui vous conviennent pour ce dessin et ajusté les proportions. Vous devez vous assurer que la composition fonctionne bien et que l’image est équilibrée.
Ensuite, on passe à la composition.
La composition va permettre de diriger l’œil du spectateur et créer une œuvre harmonieuse. Vous allez définir les points focaux et utiliser les lignes directrices pour organiser les éléments principaux.
Puis, vous allez déterminer une palette de couleur pour votre peinture et une source de lumière pour guider le rendu. N’hésitez pas à expérimenter avec les couleurs pour créer des contrastes et des harmonies qui renforcent l’atmosphère de votre œuvre.
Enfin, vous allez travailler en utilisant les calques que vous allez séparer de manière intelligente pour gérer les différentes parties de votre illustrations. Vous pouvez avoir un calque pour le fond, pour les personnages, pour les éléments du premier plans… etc
Vous pouvez les gérer comme vous le souhaitez, l’avantage est que travailler sur un calque permet de faire des essaies et des ajustements sans impacter le reste du dessin.
Et enfin, place au rendu final.
C’est ici que vous allez ajouter des textures et des détails pour enrichir l’image. Vous allez, par exemple, utiliser des brosses spécifiques pour imiter des textures réalistes ou créer des effets stylisés.
Vous allez également affiner l’ombrage et les effets de lumière pour donner de la profondeur à l’œuvre. Vous pouvez utiliser des calques supplémentaires pour les reflets, les ombres portées et les effets de lumière spéculaires.
Il vous restera à faire les finitions, comme la correction des couleurs, le lissage des transitions et l’ajout de petits détails qui réhausseront l’image.
Importance de la planification et de la recherche de référence
Mais vous n’allez pas vous lancer à l’aveugle dans vos projets artistiques !
A moins que vous ne soyez expert du dessin d’imagination et connaissiez parfaitement les proportions de chaque éléments à inclure, et même les textures.
Si ce n’est pas le cas ?
Il va falloir songer à planifier votre création et à rechercher des références.
Une bonne planification permettra d’éviter des erreurs majeures et d’assurer que tous les éléments de l’œuvre s’intègrent harmonieusement. Cela va inclure la recherche de références visuelles, mais également la création de moodboard et la définition des objectifs artistiques avant de commencer.
Ensuite ?
Vous allez chercher des références photographiques ou artistiques pour vous aider à améliorer la précision de vos dessins et la qualité de votre travail. Elles vont vous fournir des guides sur les proportions, les textures et les effets de lumière.
Autant dire que c’est presque obligatoire pour travailler sur des sujets complexes ou réalistes.
Comment créer en digital painting ?
Processus créatif, du concept à la réalisation
Dans le processus créatif complet de la réalisation d’un projet en digital painting, on va reprendre ce qui a été détaillé plus tôt sur la peinture en elle-même et on va y ajouter une étape avant :
Le concept.
C’est l’élément LE plus important.
Sans lui pas de croquis, pas de peinture, pas d’œuvre.
Ici, vous allez devoir noter toutes les idées qui vous passe par la tête.
Que ce soit la thématique, le style ou l’émotion que vous souhaitez exprimer.
Prenez le temps d’explorer plusieurs possibilités et de vous lancer quand vous sentez que c’est la bonne.
Le reste se réalisera comme détaillé plus haut :
- Esquisse
- Croquis détaillé
- Colorisation et ombrage
- Finalisation
Exemples concrets de projets numériques
Les projets en numérique peuvent être relativement les mêmes qu’en dessin/peinture classique.
On retrouve, par exemple :
Les portraits stylisés : Il s’agit de la réalisation d’un portrait à partir d’une photo de référence, mais en ajoutant une touche personnelle avec des couleurs vives ou des textures inhabituelles ou des styles de brosses uniques… etc
Les scènes de paysage : Vous pouvez créer un paysage fantastique ou science-fiction (ou autre) en combinant des références de différents environnements et en expérimentant avec la lumière et l’atmosphère.
Dernier exemple :
Les illustrations de livre : Vous pouvez faire partie de ceux qui illustrent des narrations entières dans des bandes dessinées ou des livres de jeu de rôle. Chaque image raconte une partie de l’histoire et doit maintenir une cohérence stylistique.
Comment être un peintre numérique ?
Développement de son style propre
Un peintre numérique accompli a tout simplement développé plusieurs aspects de l’artiste qu’il est.
Il a développé son propre style.
Et il participe à des communautés en ligne.
Pour faire comme lui, voici quelques astuces :
Explorez et expérimentez.
Essayez différents styles, techniques et médiums numériques pour découvrir ce qui vous correspond le mieux. Ne vous limitez pas à un seul genre ! Explorez le réalisme, l’abstraction, le dessin stylisé, etc.
Inspirez-vous et analysez.
Etudiez le travail d’autres artistes numériques pour comprendre ce qui les distingue. Analysez leur utilisation de la couleur, de la composition et des techniques spécifiques pour enrichir votre propre style.
Soyez cohérent.
Une fois que vous avez identifié des éléments récurrents dans votre travail, concentrez-vous sur les affiner et les utiliser de manière cohérente dans vos œuvres. Cela vous aidera à établir votre signature artistique.
Participer à des communautés en ligne pour progresser
Partagez vos travaux et demandez des feedback.
Rejoignez des forums comme celui de Apprendre-A-Dessiner, ou alors des groupes sur les réseaux sociaux ou des plateformes dédiées aux artistes numériques. Partagez vos travaux, demandez des critiques constructives et apprenez des autres artistes.
Collaborez et participez à des défis.
Il existe des défis artistiques en ligne. Participez-y ! Je vous invite aussi à tenter des collaborations avec des artistes qui vous plaisent, pour faire des œuvres communes encore plus unique qu’unique ! En plus, ça vous permettra d’élargir votre réseau.
Soyez visible.
Utilisez les plateformes en ligne pour vous faire connaitre et partager votre progression. Vous pouvez créer votre propre communauté en ligne pour rester motivé et progresser avec le regard bienveillant de ceux qui suivent vos travaux.
Questions fréquemment posées et cas particuliers
Le digital painting est-il facile ?
“Facile” ou “difficile” ne sont pas des mots qui s’appliquent à l’art comme on l’entendrait. La difficulté est une perception qui dépend de l’individu et de nombreux autres paramètres. Le digital painting a surtout ses avantages et ses inconvénient par rapport au traditionnel.
Je vais vous faire un petit rappel là-dessus.
Comparaison des défis entre peinture numérique et traditionnelle
Le premier point que je vais aborder est la facilité technique.
Oui, la peinture numérique offre des outils qui permettent une annulation d’action, mais également des calques et des brosses personnalisables qui peuvent simplifier certains aspects techniques de la création artistique.
Avec ces outils, on peut expérimenter sans crainte de gâcher son travail, ce qui est souvent un frein à la peinture traditionnelle.
Concernant la courbe d’apprentissage, bien que le digital painting puisse sembler plus accessible, il exige une bonne maitrise des logiciels, ainsi qu’une compréhension des principes artistiques fondamentaux (perspective, couleur, lumière, composition).
En revanche, la peinture traditionnelle demande une gestion plus délicate des matériaux physiques et des techniques manuelles.
Enfin, parlons de la liberté créative…
La peinture numérique permet certainement une plus grande liberté d’expérimentation, avec un accès illimité à des palettes de couleurs, des textures et des effets spéciaux.
Par contre, la peinture traditionnelle, elle, offre une expérience tactile unique et un lien plus direct avec les matériaux.
Comment apprendre l’art numérique sur téléphone ?
Je vois pas mal de monde intéressé par la peinture sur smartphone, et de plus en plus.
L’agrandissement, d’année en année, des tailles des écrans aide.
Aujourd’hui, nous utilisons des mini tablettes ultra performantes, alors pourquoi ne pas dessiner directement dessus ?
Applications mobiles pour la peinture numérique et conseils pour débutants
Il y a 3 applications assez populaires pour faire ça sur mobile.
Procreate Pocket : C’est la version mobile de Procreate pour les utilisateurs de la pomme. Elle offre une interface intuitive et des fonctionnalités puissantes.
Adobe Fresco : C’est une application mobile qui va combiner peinture vectorielle et pixelisée, idéale pour les débutants grâce à son interface simple et ses outils intégrés.
Autodesk Sketchbook : C’est un de mes logiciels préférés. Il est bon marché, intuitif et rapide. Il y a une version gratuite et une version payante (pro) qui vaut largement le coût. Dans sa version gratuite, il offre déjà une large gamme de brosses, de calques et d’outils de dessin pour des créations détaillées sur mobile.
Qu’est-ce que la peinture numérique 2D ?
Explication et distinction avec la 3D, pour mieux orienter ses choix
Le digital painting 2D implique la création d’images sur une surface plane, sans dimensions de profondeur ajoutées. On la retrouve dans les illustrations, les concepts arts et les designs graphiques.
La peinture numérique va utiliser des outils comme Photoshop, Krita ou Proceate car ils sont plutôt dédiés au dessin, à la coloration et à l’ombrage.
A l’inverse, le digital painting 3D ajoute une dimension supplémentaire, permettant de créer des objets et des scènes en trois dimensions. Les artistes peuvent manipuler des formes et des volumes dans un espace tridimensionnel.
Ici on va plutôt utiliser des outils comme Blender, Zbrush et Substance Painter qui sont utilisés pour la modélisation 3D, la texture et la peinture des objets numériques. On va surtout voir ce type de peinture numérique dans les jeux vidéos, les films d’animation et tout ce qui utilise des effets spéciaux de la 3D.
Conclusion
Le digital painting est accessible à tous, débutants comme confirmés en dessin.
Mais pour bien débuter, il faudra travailler quelques points essentiels :
Apprendre les bases du dessin.
Expérimenter et pratiquer.
Utiliser des références.
Maitriser les techniques de base comme la perspective, l’utilisation des couleurs, des ombrages et des textures, ainsi que les outils spécifiques des logiciels de peinture numérique (calques, brosses) sera O-BLI-GA-TOI-RE.
Mais ça ne suffit pas, pour devenir bon il faudra pratiquer et expérimenter encore et encore. La régularité est essentielle pour progresser en digital painting. Ne craignez pas de faire des erreurs, car elles font parties du processus d’apprentissage.
Prenez l’habitude d’aller chercher des références photographiques ou artistiques et même quand vous aurez de l’expérience. Au delà de vous aider à préciser votre techniques et rendre un projet avec un meilleur aspect visuel, les références peuvent aussi vous aider à développer votre créativité.
Le digital painting est un domaine en constante évolution. Plus vous pratiquerez, plus vous développerez vos compétences et affinerez votre style artistique. La clé du succès réside dans la persévérance et la volonté d’apprendre continuellement.
Pour aller plus loin et approfondir vos connaissance, je vous invite à vous abonner à notre chaîne YouTube “Apprendre-A-Dessiner” et à consulter nos autres articles de blog.
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Bien artistiquement,
Pit
PS : pose-moi tes questions dans la section commentaires
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